晨曲是一种出现于17世纪/18世纪的音乐流派（有或没有伴奏或纯器乐），在宫廷中作为“晨间小夜曲”演奏，与“晚间小夜曲”形成对应的小夜曲。

Die Aubade (französisch; von aube „Morgendämmerung“ → Tagelied; Mehrzahl aubades), spanisch Alborada, ist eine im 17./18. Jahrhundert entstandene musikalische Gattung (Gesang mit oder ohne Begleitung oder rein instrumental), die an den Höfen als „Morgenständchen“ musiziert wurde und ein Gegenstück zur Serenade, dem „Abendständchen“, bildet. Aubaden hatten auch oft einen zeremoniellen oder offiziellen Charakter. So wurde seit Ludwig XIV. am Versailler Hof dem König am 1. Januar von Trommlern des Regiments ein Ständchen gebracht. Nach diesem Vorbild wurden in den Provinzstädten auch Beamte anlässlich ihrer Wahl von Trommlern und Trompetern mit einer Aubade geehrt.

叙事曲（法语：ballade，英语：ballade、ballad，西班牙语：balada）在法文中原来是指一种文学作品或民间歌曲，通常为抒情、叙事、民间传奇风格的作品，也包括戏剧性和幻想的片段，从19世纪开始，乐曲也采用同样的题材，叙事曲也就成为一种乐曲的名称，当时主要是声乐，后来器乐也出现叙事曲，肖邦首创钢琴叙事曲，后来勃拉姆斯、李斯特和格里格等也都创作过钢琴叙事曲。

Die Ballade ist in der Klaviermusik eine Gattung des 19. Jahrhunderts, die ähnlich wie das Charakterstück oder das Lied ohne Worte formal nicht festgelegt ist. Gelegentlich lassen sich die Komponisten von Dichtungen (z. B. Chopin und Brahms) oder Stimmungen inspirieren. Zu den Vorläufern der Klavierballade zählen die Rhapsodien der beiden tschechischen Komponisten Václav Jan Křtitel Tomášek und Jan Václav Voříšek. Die Ballade hielt als erstes durch Frédéric Chopin Einzug in die Musik, indem dieser sie als eigenständige musikalische Gattung nach dem Vorbild der literarischen Ballade etablierte.

芭蕾是一种外来艺术形式，起源于文艺复兴时期的意大利。当时的意大利还是一个城邦国家，各个城邦的君主为了炫耀自己的权力和财富，常常举办节庆演出，其中包括舞蹈演出，也称“席间歌舞”。
随着意大利宫廷与法兰西宫廷的联姻以及文化交流，“席间歌舞”传入了法国，当时这种演出形式盛极一时，其中最为宏伟、最受推崇的是1581年的《王后的喜芭 蕾》，既载歌载舞，又具有戏剧结构的雏型，所以被西欧史学家公认为第一部”真正的芭蕾“。芭蕾艺术的真正形成，是在路易十四执政的法国宫廷。他本人很喜欢 跳舞，12岁那年主演《卡桑德拉》中的太阳神，因而获得了“太阳王”的美名，在他的大力倡导下，芭蕾逐渐兴盛，并确立为一种独立的艺术形式。规定了脚的五 个基本位置。脚位是因古典舞需要稳定、平衡，在躯干失去重心时，能自如地向前后左右各方向倾斜舞动而形成的。自此，芭蕾才以其特有的训练法则，纳入了系统 的轨道，这种舞蹈即我们今天所说的古典芭蕾。(Quelle: www.zhwdw.com)

芭蕾是一种轻盈，舒缓，优雅的舞蹈。芭蕾起源于意大利，兴盛于法国，其部分手势可追溯至古埃及的祭祀舞蹈。芭蕾为法语“ballet”的译音，它的词源则是意大利语的“balletto”，为ballo的指小词，ballo 意为“舞蹈”。

芭蕾舞是一种表演舞蹈，发源于十五世纪，即意大利文艺复兴时期的宫廷。随后它在法国和俄罗斯发展成表演舞蹈。它是一种广泛流传，且具高度技术性的舞蹈，拥有法文专属术语。它在全球均具影响力，更定义了很多其他舞蹈的基础技巧。芭蕾舞需要长时间学习，在世界各地都有学校教授，并用自身文化继续把它发展下去。

芭蕾舞也可以是指一出含编舞及音乐的芭蕾舞剧。知名例子:胡桃夹子，就是一出最先由马利乌斯·皮提帕及刘·伊凡诺夫编舞、柴可夫斯基作曲的两幕芭蕾舞剧，而这些芭蕾舞剧都是由受过专业训练的艺人编舞及演出。很多古典芭蕾舞剧都是由古典音乐伴奏，配以华丽的戏服及舞台布景的。但是，一些由近代艺人如乔治巴兰钦创作的舞剧已经没有遵随以上的惯例。

像西方戏剧一样，早期芭蕾舞是禁止女性参与演出的，所有女角都由男演员反串。但后来此规例获得放宽，再加上足尖的引入，使芭蕾舞坛成了女性的天下。十八世纪有人便将长裙改短，又将鞋跟去掉，改穿平底软鞋。“浪漫芭蕾”时期，最有名的两个舞剧是“仙女”和“吉赛儿”，这时出现了芭蕾硬鞋。柴可夫斯基是芭蕾舞剧音乐创作大师，他创作了“睡美人”、“胡桃夹子”和“天鹅湖”等伟大的古典芭蕾舞剧。

Als Ballett (von italienisch balletto, Diminutiv von ballo; deutsch Tanz), auch klassischer Tanz, wird der von Musik begleitete klassische künstlerische Bühnentanz bezeichnet, der oft vom Zeitgenössischen Tanz, Modern Dance oder Tanztheater unterschieden wird. Im Besonderen kann der Begriff auch folgende Bedeutungen haben:

• eine Tanzvorstellung auf einer Bühne zu Musikbegleitung, wobei die Darbietung hauptsächlich aus Tanz besteht oder Teil eines größeren Werkes (Oper, Operette, Musical) sein kann.
• eine Kunstform/Sparte am Theater neben Oper, Schauspiel und Konzert.
• ein Bühnenwerk, bei dem der Tanz im Mittelpunkt steht.
• Musik, die als Begleitung für Bühnentanz geschrieben wurde.
• ein Tänzer-Ensemble am Theater (Corps de ballet).

Traditionellerweise versteht man unter einem klassischen Ballett ein Handlungsballett. Auf Grundlage eines Librettos werden eine Musikkomposition und eine Choreografie erschaffen. Hinzu kommen Bühnenbild, Requisiten und Kostüme. Der Tanz selbst besteht aus Körperbewegungen im Raum, Gestik und Mimik.

 バレエ（仏: ballet[1][2]）は、西ヨーロッパで発生し広まった、歌詞・台詞を伴わない舞台舞踊。及びその作品を構成する個々のダンス。音楽伴奏・舞台芸術を伴いダンスによって表現する舞台である。物語性をもち、複数の幕をもつ舞踊劇が多い（「くるみ割り人形」「白鳥の湖」「眠れる森の美女」「ドン・キホーテ」など）。しかし20世紀以降には物語性を否定する作品も生まれた。一方で短い小品でありながら優れた物語性をもつものもある（「瀕死の白鳥」など）。事前に振付家によってバレエ独特の所作を指定されたものを演じ、即興作品は少ない。振付の仕方を振付術（コレオグラフィー）という。

ルネッサンス期のイタリアに起源を発する。当時、宮廷では余興として詩の朗読、演劇などが演じられていたが、その一部としてバロ（Ballo）と呼ばれるダンスが生まれた。宮廷の広間で貴族たちが歩きながら床に図形を描いていくもので、それをバルコニーから眺めるのが当時の楽しみ方であった。

1463年、グリエルモ・エブレオ『舞踏芸術論』のなかでBallettoという語が初めて用いられている。

1496年にはレオナルド・ダ・ヴィンチが衣裳と装置を担当した「楽園」が初演された。

16世紀、ジョヴァンニ・ジャコモ・ガストルディにより世俗合唱曲が流行すると、その歌に踊りを加えたバレット（Balletto）が生まれ、やがてバレッティ（Balletti）と呼ばれるようになった。

ドメニコ・ダ・ピアチェンツァ（ドイツ語版）など舞曲の作曲家や、ドメニコ・ダ・フェッラーラ（フェラーラ侯レオネルロ・デステ（ポーランド語版）に仕えた）などの舞踏教師が登場し、イタリアの貴族が盛んに舞踏会を開催したことが分かる。

Ballet /ˈbæleɪ/ (French: [balɛ]) is a type of performance dance that originated during the Italian Renaissance in the 15th century and later developed into a concert dance form in France and Russia. It has since become a widespread, highly technical form of dance with its own vocabulary based on French terminology. It has been globally influential and has defined the foundational techniques used in many other dance genres and cultures. Ballet has been taught in various schools around the world, which have historically incorporated their own cultures and as a result, the art has evolved in a number of distinct ways. See glossary of ballet.

A ballet, a work, consists of the choreography and music for a ballet production. Ballets are choreographed and performed by trained ballet dancers. Traditional classical ballets are usually performed with classical music accompaniment and use elaborate costumes and staging, whereas modern ballets, such as the neoclassical works of American choreographer George Balanchine, often are performed in simple costumes (e.g., leotards and tights) and without the use of elaborate sets or scenery.

Le ballet est un genre dramatique dont l'action est figurée par des pantomimes et des danses. Ses origines remontent à la Renaissance italienne (XVe siècle). Primitivement développé à la cour d'Italie, le ballet a reçu ses lettres de noblesse en France, puis en Russie, en tant que danse-spectacle.

Au XVIIe siècle, le développement important qu'a connu le ballet à la cour de Louis XIV explique l'origine française de la plupart des termes de vocabulaire de la danse.

Selon les époques, les pays et les courants, le spectacle chorégraphique peut intégrer de la musique, du chant, du texte, des décors, voire des machineries.

Comme l'opéra, le ballet peut, être, organisé de deux manières :

• soit en une succession de « numéros » ou « entrées » ;
• soit « en continu ».

La structure du ballet « à entrées » est la plus ancienne : des danses s'enchaînent les unes après les autres comme autant d'épisodes distincts.

Il balletto è un particolare tipo di rappresentazione coreografica che nasce a partire dal primo Rinascimento dalle composizioni dei maestri di ballo presso le corti signorili italiane e francesi.

Con le successive evoluzioni, il termine balletto oggi comprende un'ampia varietà di rappresentazioni sceniche di un dramma visivo svolto per mezzo di danza e pantomima, spesso accompagnato da musica e interpretato da danzatori secondo una coreografia predeterminata. Comunemente con il generico termine balletto o balletto classico ci si riferisce anche al balletto moderno evolutosi dalla scuola di San Pietroburgo in particolare attraverso l'esperienza dei Ballet Russes fino alla spinta in senso più "formale" di George Balanchine, e comunque a forme di danza teatrale che utilizzano movimenti del corpo riconducibili alla tecnica accademica della danza classica.

El ballet, (el nombre es reconocido por la Real Academia Española (RAE) como palabra francesa, proveniente del italiano balletto, diminutivo de ballo, que significa "baile"), danza académica o danza clásica es una forma concreta de danza y también el nombre de la técnica correspondiente. Según las épocas, los países o las corrientes y el espectáculo, esta expresión artística puede incluir: danza, mímica, y teatro (de orquesta y coral), personas y maquinaria.

El ballet clásico o danza clásica es una forma de danza cuyos movimientos se basan en el control total y absoluto del cuerpo, el cual se debe enseñar desde temprana edad. Se recomienda iniciar los estudios de esta danza clásica a los tres o cuatro años, ya que el ballet es una disciplina que requiere concentración y capacidad para el esfuerzo como actitud y forma de vida. A diferencia de otras danzas, en el ballet cada paso está codificado. Participan invariablemente las manos, brazos, tronco, cabeza, pies, rodillas, todo el cuerpo en una conjunción simultánea de dinámica muscular y mental que debe expresarse en total armonía de movimientos.

Con este baile se puede expresar alegría, tristeza o amor, entre otras cosas.

También se utiliza el término ballet para designar una pieza musical compuesta, a propósito, para ser interpretada por medio de la danza. El ballet es una de las artes escénicas.

Бале́т (фр. ballet, от итал. ballare — танцевать) — вид сценического искусства; спектакль, содержание которого воплощается в музыкально-хореографических образах. В основе классического балетного спектакля лежит определённый сюжет, драматургический замысел, либретто, в XX веке появился бессюжетный балет, драматургия которого основана на развитии, заложенном в музыке. Основными видами танца в балете являются классический танец и характерный танец, к которому, начиная с XIX века, относятся народные и национальные танцы, переработанные для исполнения в балетном спектакле. Немаловажную роль играет пантомима, с помощью которой актёры передают чувства героев, их «разговор» между собой, суть происходящего, а во многих спектаклях — также и гротеск.

В современном балете широко используются другие техники танца (прежде всего современного и джаз-танца) а также элементы гимнастики, акробатики, восточных единоборств и тому подобное.

合唱指一种集体性的歌唱艺术。在合唱中，人员分成若干声部，分别采用不同的旋律，同时唱歌。这类表演团队被称为合唱团或者合唱队。参加的人员则称做合唱团员或者合唱队员，其所演唱的歌曲称作合唱音乐，但也常遇到将合唱当做合唱团或合唱音乐的简称。

合唱团有不同的分类标准。这些标准只有局部意义，而且其界限也不是固定的:

• 组成：
  • 混声合唱：既有男声声部也有女声声部；此外男童合唱也可归入此类，其中有男高和男低声部。
  • 同声合唱：如女声合唱，男声合唱和童声合唱（所有声音如女声）。
• 歌唱者的人数：如室内合唱（大约15-30人）、大合唱以及小合唱（人数明显较通常合唱少，甚至有的声部仅有一个人唱）等。
• 伴奏：有伴奏合唱和无伴奏合唱(阿卡贝拉)。
• 艺术质量方面的要求：如室内合唱、音乐会合唱、群众合唱
• 功能和组成：如教堂合唱、声乐协会、广播合唱、歌剧合唱、爱乐合唱、学校合唱、轮回演出合唱、表演合唱、警察合唱、工作合唱
• 风格特点：学院派（德文Schola）、复调合唱（德文Madrigalchor）、清唱剧合唱（德文Oratorienchor）、水手合唱（英文shanty chorus）、灵乐合唱（英文gospel chorus）、理发师合唱（英文barbershop）、爵士合唱等等。有时合唱团也以所唱风格之代表性音乐家或类型命名，如巴赫合唱团、小歌剧合唱团等等。
• 合唱成员:儿童合唱、女童合唱、男童合唱、青年合唱、老年合唱、工人合唱等

Unter einem Chor (von altgriechisch χορός chorós „Tanzplatz, Reigen, tanzende Schar“) versteht man in der Musik eine Gemeinschaft von Sängern, in der jede Stimme mehrfach besetzt ist. Außerdem ist Chor die Bezeichnung für ein von diesem Ensemble aufzuführendes Stück.

Der Begriff Chor in der heutigen Bedeutung prägte sich erst im 17. und 18. Jahrhundert. Bis dahin war ein Chor eine Gruppe von Musizierenden im Allgemeinen. Dies kommt heute noch in Begriffen wie Posaunenchor oder Geigenchor zum Ausdruck.[1]

Zudem bezeichnet Chor in der Instrumentalmusik die verschiedenen Stimmlagen gleichartiger Musikinstrumente (etwa als Flötenchor: Blockflöten von der kleinen Sopranino-Blockflöte bis zum Großbass).

Es gibt verschiedene Kriterien zur Charakterisierung von Chören. Diese sind nicht ausschließlich und häufig überlappend. Es gibt keine einheitliche Taxonomie. Grundsätzlich wird nach den vorkommenden Stimmlagen unterschieden:

• gemischter Chor: Mehrere Stimmlagen sind vertreten, also sowohl Frauen- als auch Männerstimmen. Hierzu zählen auch Knabenchöre, in denen Tenor und Bass besetzt sind
• gleichstimmiger Chor, zum Beispiel Frauenchor, Kinderchor (in gleicher Stimmlage wie ein Frauenchor), Männerchor

Darüber hinaus finden weitere Merkmale Anwendung:

• Anzahl der Singenden, zum Beispiel Kammerchor (etwa 15 bis 30 Mitglieder) oder Großchor. Sind die Stimmen nur solistisch oder höchstens zweifach besetzt, sodass sich die Stimmen nicht chorisch mischen, spricht man von einem Vokalensemble
• Anspruch auf künstlerische Qualität, zum Beispiel Konzertchor, Volkschor
• Funktion bzw. Institution, zum Beispiel Kirchenchor (auch Kantorei), Gesangverein, Rundfunkchor, Opernchor, Studiochor, Singakademie, Philharmonischer Chor, Schulchor, Kurrende, Gauchor, Showchor, Polizeichor, Bundeswehr-Chor, Hochschulchor, Akademischer Chor, Werkschor, Landesjugendchor, integrative Kantorei
• Stilrichtung, zum Beispiel Schola, Madrigalchor, Oratorienchor, Shantychor, Popchor, Gospelchor, Barbershop-Chor, Jazzchor
• vertretene Klientel, zum Beispiel Kinderchor, Mädchenchor, Knabenchor, Jugendchor, Seniorenchor, Arbeiterchor, Bergmannschor, Schwulen- oder Lesbenchor, Winzerchor, deutsch-französischer Chor, Gebärdenchor.

Es gibt viele Chöre, die sich den Namen ihres bevorzugten Komponisten aneignen. Zahlreiche Bachchöre, aber auch Monteverdichöre und Heinrich-Schütz-Chöre zeigen dies für die Barockmusik beispielhaft. Auch klassische, romantische und moderne Komponisten können namensgebenden sein, wie etwa beim Mozart-Chor, Mendelssohn-Chor, Reger-Chor oder beim Hugo-Distler-Chor.

Im 21. Jahrhundert kam es zum Phänomen des virtuellen Chores durch die Darbietung eines Musikstückes durch eine Gruppe von Personen über das Internet. Die Besonderheit ist dabei, dass sich die einzelnen Sänger und der Dirigent nicht im selben Raum befinden. Die Anwesenheit ist ausschließlich über das Internet vermittelt.

练习曲，是指专门提供某乐器的练习特定技巧的音乐作品，钢琴练习曲是最常见的练习曲，著名的钢琴练习曲作者包括拜厄、车尔尼等，他们的作品很适合初学者。

但并不是所有练习曲都是仅为初学者练习而作的，有不少练习曲甚至要求演奏者有极高的技巧，因此这些曲目常常成为音乐会上的演奏作品，也可能成为著名的乐曲。例如萧邦的钢琴练习曲中，有几首比较著名的作品，以及李斯特的超技练习曲（12 Grand Etudes）就经常出现在钢琴家的演奏会曲目中。

Eine Etüde (von französisch Étude „Studie“; spanisch Estudio) ist in ihrem ursprünglichen Wortsinn (les études = „Studium“; étudier = „studieren“) ein Instrumentalwerk für ein Soloinstrument, das dem Musizierenden zu größeren Fertigkeiten auf seinem Instrument verhelfen soll. Im Mittelpunkt steht ein kurzes spieltechnisches Problem, das häufig wiederholt und in Sequenzen auftritt. Im Gegensatz zu den Übungen sind die Etüden harmonisch strukturiert und können auch die Tonarten wechseln.

Der Terminus Etüde erscheint erstmals in der Violinliteratur um 1750 in einer Ausgabe von Giuseppe Tartinis L’arte dell’arco.[1]

Im 19. Jahrhundert entwickelt sich die Etüde zum Bravourstück des Virtuosen, der hier seine spieltechnischen Fertigkeiten einem Publikum präsentiert und am Klavier zu einer poetischen Pianistik führt.

幻想曲是一种乐曲形式，它最初来源于即兴创作，因此它的形式很少符合任何教科书中所提到的音乐形式。

Eine Fantasie oder Phantasie, auch griechisch-lateinisch Fantasia (von griechisch phantasia „Gedanke, Einfall, Einbildung“[1]), ist ein Musikstück, das keine feste Form wie etwa die klassische Sonate aufweist. Durch diese ungebundene Form wird der emotionale und expressive Ausdruck des musikalischen Einfalls betont. Dieser Einfall soll trotz seiner schriftlichen Fixierung den Eindruck von Spontaneität vermitteln, und daher kann man im weiteren Sinne auch von einer notenschriftlich fixierten Improvisation sprechen.[2]

Der Name Fantasia taucht in der Musik im 16. Jahrhundert auf und wird durchgängig bis heute verwendet. Eine übergreifende einheitliche musikalische Struktur ist nicht erkennbar. Seit dem ausgehenden 18. Jahrhundert ist die Fantasia ein Instrumentalstück, vor allem für die sich im Laufe des 19. Jahrhunderts bezüglich ihrer Ausdrucksmöglichkeiten weiterentwickelnden Tasteninstrumente. Die Grenzen zu ähnlichen Stücken wie Impromptu oder einem Variationensatz sind dabei fließend.

终曲通常是奏鸣曲、交响曲或协奏曲的最后一个乐章；是一段非声乐且由多个乐章组成的古典音乐的结尾；亦或者是歌剧的最后一幕或音乐剧结尾中一个延长的模进。

Finale bezeichnet einen beschließenden Abschnitt der Dramaturgie eines musiktheatralischen Werkes. In der Konfiguration der „Nummern“ innerhalb eines musikdramatischen Werkes hat das Finale eine Sonderstellung inne: In der Regel beginnt es nicht gleichsam voraussetzungslos, wie oft andere „offene“ Formen im musikdramatischen Genre, etwa eine Introduktion oder ein Ensemblestück inmitten eines Aktes. Vielmehr ist in der Regel davon auszugehen, dass nach einer Peripetie in der Handlung das Finale mit einem Eklat beginnt, der durch eine außergewöhnlich konfliktreiche Personen- oder Handlungskonstellation motiviert ist. Diese Situation kann bereits zuvor herbeigeführt worden sein und im „Schluss“-Abschnitt eines Aktes oder eines ganzen Werkes auch nur zu einem wie auch immer gearteten vorläufigen Ende oder Abschluss gebracht werden.

赋格是复音音乐的一种固定的创作形式，而不是一种曲式。

赋格的主要特点是相互模仿的声部以不同的音高，在不同的时间相继进入，按照对位法组织在一起。

Die Fuge (von lateinisch Fuga „Flucht“) ist ein musikalisches Kompositionsprinzip polyphoner Mehrstimmigkeit. Kennzeichnend für die Fuge ist eine besondere Anordnung von Imitationen zu Beginn der Komposition: Ein musikalisches Thema wird in verschiedenen Stimmen zeitlich versetzt wiederholt, wobei es jeweils auf unterschiedlichen Tonhöhen einsetzt (in der Regel abwechselnd auf dem Grundton und der Quinte).

Eine Fuge kann eine eigenständige Komposition sein. Fugen wurden oft zusammen mit einem vorangehenden Präludium komponiert. Fugen und fugenartige Strukturen werden aber auch innerhalb von Werken anderer Formen verwendet, z. B. in Kantaten, Messen, Konzerten, Symphonien oder Ouvertüren.

协奏曲（意大利语：concerto，法语：concert，德语：Konzert），指一件（或数件）独奏乐器和乐队协同演奏，既有对比又相互交融的作品。

十八世纪之后，协奏曲渐渐演变出三种形式：大协奏曲（concerto grosso，形式上是乐团小群组、大群组的竞合），独奏协奏曲（solo concerto，单人与乐团全体的互动），以及较为少见的乐队协奏曲（ripieno concerto）。其中，独奏协奏曲由于能够充分展现独奏乐器的特色，又不失合奏的壮丽，自十九世纪起脱颖而出，受到近、现代观众的喜爱。

从科列里、托列里、韦瓦第到巴赫，协奏曲的语法取得了长足的进展，并在莫扎特笔下达到高峰。特别是莫札特可观的廿七首钢琴协奏曲创作，使得协奏曲自此成为足以与交响曲、弦乐四重奏鼎足而立的重要作曲类型。

Das Instrumentalkonzert[1] (allgemein genannt Konzert. Italienisch: Concerto) entstand in der Barockzeit als formale Gegenüberstellung von Soloinstrument(en) und Ensemble bzw. Orchester in abwechselndem künstlerischem Zusammenspiel von Tutti (alle) und Solo.

间奏曲（Intermezzo），一种音乐型态，18世纪时发展于意大利地区，出现于喜歌剧幕与幕之间、大型器乐曲作品乐章与乐章之间，乐曲较短。有两种类型，一种是歌剧间奏剧，发展于18世纪；一种是器乐曲间奏剧，发展于19世纪，音乐曲态多为变奏曲。

Intermezzo (auch: Intermedium, Intermedio, Intermède: lat./ital./franz. ‚Zwischenspiel‘) hießen die zum Ende des 16. Jahrhunderts in Italien aufgekommenen tänzerisch-musikalischen Zwischenaktsunterhaltungen bei Aufführungen von höfischen Schauspielen und Opern.– Allgemeiner gebraucht man den Ausdruck Intermezzo für einen unerwarteten, komischen Zwischenfall.